普通高中音乐鉴赏参考资料.pdf

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1、普通高中音乐鉴赏参考资料（一）音乐的声音 稍有物理知识的人都会知道，声音是因为物体的振动而产生的。音乐是听觉艺术，其最基本的构成就是声音。但是并不是我们在自然界中听到的一切声音都可以作为音乐的构成材料。在音乐体系中用到的声音，是无数人经过长期实 践精选出来的、最能够体现人类感情的声音。这些声音组成了一个固定的乐音体系，又经由几十代音乐大师之手，创作出了无数优美、动人、振奋人心的传世佳作。为我们留下了一笔丰厚的文化遗产。从听觉角度来讲，声音主要由四种属性高低、长短、强弱、色彩（即常说的音色）。其中：音的高低是由发音源在一定时间内的振动次数（频率）来决定的。振动次数 越多，频率越高，音也就越高。反

2、之则低；音的长短是由发音源振动时所持续的时间来决定的。持续的时间越长，音越长，反之则短；音的强弱取决于由发音源的振动幅度（振幅），幅度越大，音越强，幅度小音就弱；而发音源的材质、形状及泛音数的多少则决定了音色。声音的以上这四种属性，在音乐的表现中都是非常重要的，其中又以“高低”和“长短”最为重要。比如一首歌曲，本来是由人声演唱的，但是如果我们把它改编为器乐曲、并且减小音量，虽然改变了音的长短和音色，但是仍然可以很容易地分辨出它的旋律。但是，如果我们把这首乐曲中每个声音的长短、高低随意的改变，其原来的旋律马上会受到严重的破坏面目全非呀！由此可见，无论是创作、演奏、歌唱的时候都应该对声音的高低（音

3、高）和长短（即后面 要谈到的“时值”、“节奏”）加以特别的注意。由于物体在振动的时候并不是总是规则的，所以声音又有“乐音”和“噪音”之分。规则振动发出的是乐音，反之则称为噪音。在音乐中，用的最多的是乐音，但是这并不代表噪音就不属于音乐的组成部分，乐队中的大部分节奏打击乐器所发出的声音就属于噪音，但它同样具有非常丰富的音乐表现力，甚至成为了现代通俗音乐中不可缺少的部分。最后，还需要再提到的一点是我们平时听到的某一个音都不只是一个单独的纯正的音在响，而是许多个声音的结合，我们称之为“复合音”。这是因为物体在振动的时候不仅整体在振动，而且各个部分也在振动。以吉他为例，在我们拨响一根琴弦地的同时，这根

4、琴弦的 1/2、1/3、1/4各个部分也都在分别振动。这种由琴弦（发音源）整体振动产生的声音称为“基音”，是最容易被人耳听到的音。其它部分振动产生的音，称为“泛音”在与基音同时发声的时候是不容易被听到的，除非我们刻意地抑制基音，突出泛音。比如吉他中的自然泛音和人工泛音奏法。为了说明这个理论，更直观的理解，有吉他的朋友可以在每条 弦 的 第 12 品 附 近 做 一 个 试 验。先 用 左 手 的 小 指 轻 轻 地 虚 按 在 任 意 一 根弦的第 12 品位置（琴弦不要碰到音品），然后用右手拨动这根弦，同时马上抬起左手的小指。这时你会听到一个不同于弹奏这根弦的空弦或第 12 品时的、非常特别

5、的声音，这就是泛音。现在，观察一下儿吉他第 12 品对于琴弦来讲的大概位置。怎么样？对了是 1/2 处！同样 1/3 处（第 7 品）、1/4 处（第 4 品）都有这种声音。音乐语言的要素 作曲家创作乐曲，也象文学家写诗歌、小说一样，有一套表情达意的体系，那就是音乐语言。音乐语言包括很多要素：旋律、节奏、节拍、速度、力度、音区、音色、和声、复调、调式、调性等。一首音乐作品的思想内容和艺术美，要通过多种要素才能表现出来。旋律：又称曲调，它是按照一定的高低、长短和强弱关系而组成的音的线条。它是塑造音乐形象最主要的手段，是音乐的灵魂。节奏：各音在进行时的长短关系和强弱关系。由于不同高低的音同时也是不

6、同长短和不同强弱的音，旋律中必须包括节奏这一要素。节拍：强拍和弱拍的均匀的交替。节拍有多种不同的组合方式，叫做“拍子”，正常的节奏是按照一定的拍子而进行的。速度：快慢的程度。为使音乐准确地表达出所要表现的思想感情，必须使作品按一定的速度演唱或演奏。力度：强弱的程度。音的强弱变化对音乐形象的塑造也起着很重要的作用。音区：音的高低范围。不同音区的音在表达思想感情时各有不同的功能和特点。音色：不同人声、不同乐器及不同组合的音响上的特色。通过音色的对比和变化，可以丰富和加强音乐的表现力。和声：两个以上的音按一定规律同时结合。和弦进行的强和弱、稳定与不稳定、协和与不协和，以及不稳定、不协和和弦对稳定、协

7、和和弦的倾向性，构成了和声的功能体系。和声的功能作用，直接影响到力度的强弱、节奏的松紧和动力的大小。此外，和声的音响效果还有明暗的区别和疏密浓淡之分，从而使和声具有渲染色彩的作用。复调：两个或几个旋律的同时结合。不同旋律的同时结合叫做对比复调，同一旋律隔开一定肘间的先后模仿称为模仿复调。运用复调手法，可以丰富音乐形象，加强音乐发展的气势和声部的独立性，造成前呼后应、此起彼落的效果。调式调性：从音乐作品的旋律与和声中所用的高低不同的音归纳出来的音列。这些音互相联系并保持着一定的倾向性。而调性则是调式的中心音（主音）的音高。在许多音乐作品中，调式和调性的转换和对比，是体现气氛、色彩、情绪和形象变化

8、的重要手法。音乐语言的各种要素互相配合，具有千变万化的表现力。旋律尽管是音乐的灵魂，但其它要素起了变化，音乐形象就会有不同程度的改变。在一定条件下，其它要素甚至可起重要作用。音乐的表现手段 旋律：旋律是音乐的灵魂，是表达情感的重要手段。一般规律：(一)：旋律方向不同 1.上行-适于表现开朗、激动、高昂的意境或情绪。如蓝色多瑙河圆舞曲 黄河颂 怒吼吧，黄河等 2.平行-适于表现坚定、呆滞的情绪或加强语气。如解放军歌 码头工人歌等 3.下行-适于表现伤感 悲痛的情绪如黄河怨 小白菜等 （二）旋律音程不同 1.级进-比较平稳，适于诉说 抒情如半个月亮爬上来等；或用以表现“流动”（快速）野蜂飞舞 2.

9、小跳-可以表现轻快、活跃的情绪，或稍带激动的情绪，或用以表现“流动”如再不要去做情郎等 3.大跳-四度以上，音程越大越激动，如黄河颂 节拍、节奏 （一）.节拍：音乐中强、弱音有规律的反复。单拍子：2/4 3/4 3/8 复拍子：4/4 6/8 音乐中的节拍最基本的只有两种：2 拍子和 3 拍子 2 拍子的强弱运动规律是一强一弱，交替鲜明，适宜于表 现朝气蓬勃、斗志昂扬的队列歌曲或进行曲。运动员进行曲 保卫黄河 3 拍子的强弱运动规律是强弱弱，强拍推迟出现，显得比较柔和，适于表现比较优美抒情的内容。圆舞曲 （二）节奏：组织起来的音的长短关系。音乐中的节奏来源于生活。速度、力度 一般来说，激动、兴

10、奋、欢快、紧迫等常用快速；抒情、田园风常与中等速度结合；颂歌、哀歌往往用慢速。同一旋律，由于速度、力度的不同，所表示的情绪会有很大的不同 音色、和声 音色即指人声或器乐的音质。它犹如绘画中的色彩，是音乐形态中直接作用于人耳的最为感性的要素。和声：两个以上的音按照一定的规律结合在一起同时发响。调式调性：按照一定关系组织起来的一组音（一般在七个以内），并以其中某个音为中心（主音）形成一个体系，叫调式。大调式色彩一般较明亮。1 2 3 4 5 6 7 1 小调式色彩一般较暗淡。6 7 1 2 3 4 5 6 在大小调中，第级、第级、第级音起着支柱作用，并给人以稳定感，叫稳定音级，其中主音最稳定；第级

11、音人以不稳定感，叫不稳定音级。不稳定音级具有进行到稳定音级的特性，叫倾向。不稳定音级按照倾向进行到稳定音级，叫做解决。（民族）五声调式：宫调式 12356、商调式 23561、角调式 35612、徵调式 56123、羽调式 61235；五声调式由于缺少半音和三全音的音程关系，音的倾向性不很尖锐。中国传统器乐曲的曲式 曲式指的是乐曲的结构，中国传统器乐曲的常见曲式有：一、单牌体 二、联曲体 三、变奏体 四、循环体 五、套曲体 单牌体是由一个曲牌构成的乐曲形式。曲牌又称“牌子”，原为说唱、戏曲及器乐音乐中独立使用的曲式单位，每一曲牌均有一个特定的名称，俗称“牌名”，就说唱及戏曲音乐而言，牌名一般出

12、自于歌词，可以从牌名看出原曲的内容（如赛龙夺锦）、来历（如梁州序）或音乐特点（如急板令），但大多数的曲牌名和音乐的内容无必然联系，只是一个标志（如夜深沉、下西风），故同名的曲牌，其曲调乃至词格往往大不相同，在器乐曲中，变化则更大。曲牌是音乐陈述的基本段落，一般由一个乐段组构成，也有的可分成两个或三个相似或互相呼应的乐段。联曲体又称曲牌联缀体，是以曲牌为基本单位，将若干支不同的曲牌联缀成套，构成一首完整乐曲。在板腔体音乐出现以前，联曲体是戏曲、说唱音乐及器乐曲的主要形式，它对中国音乐的发展有过巨大的影响。曲牌联缀的结构原则有二点：、套曲中的每个曲牌的宫调必须相通，调性统一和谐。、套曲中的曲牌排列

13、有一定层次，一般是先为慢曲，次为中曲，急曲在后，引子和尾声为多为散板，依次递变，因而形成：散慢中快散的规律。在说唱、戏曲音乐中，往往以第一支曲牌及所属宫调命名。变奏体是以一个曲牌为基础，以变奏手法加以发展而成构成完整的曲式，又分为原板变奏和板式变奏两种。原板变奏不改变曲牌原来的板式，只用原板加花的方法进行变奏。板式变奏是以一个曲牌为基础，运用“添眼加花”、“反调”、“叫散”等等曲调发展手法加以变奏，并形在一系列的板别，再把不同板别按一定规律联缀起来，就构成了大型套曲，它是中国传统音乐中最常见的一种曲式形式。戏曲中的板式变奏体和联曲体一样，都采用“散慢中快散”的原则。器乐曲中则遵循“慢中快”的原

14、则，如江南丝竹中的五代同样是以老六板（有板无眼）为原板，添眼加花变成快花六、花六板、中花六板、慢六板，演奏次序为慢六板中花六板花六板快花六老六板，因为原板老六板放在最后演三，故器乐曲中的板式变奏亦被称为“倒装变奏”。循环体是以相同的过渡曲或牌子连接不同的曲牌，或以同一曲牌演变成不同变体的曲式结构。过渡曲调或牌子被称为“过曲”，由它串接的曲牌则被称为“主曲”。循环体与西洋音乐的回旋曲不同，回旋曲中重复的是乐曲的主要部分，而循环体重复的是乐曲的次要部分，如浙东吹打划船锣鼓以锣鼓牌子三五七为“过曲”，主曲则有茉莉花、八板和柳青娘。套曲体是由若干曲牌按一定音乐逻辑关系联缀成套而成的一种曲式结构，它是中

15、国传统音乐中最为庞大复杂的曲式，典型的例子如陕西鼓乐中的“坐乐”和苏南吹打中的丝竹锣鼓曲。音乐中的基本曲式 主题：（Theme）乐曲中具有特征的、并处于显著地位的旋律。它表现完整的或相对完整的乐思，为乐曲的核心。其形象鲜明、结构短小，是音乐发展的种子，它表达着一定的思想、性格、风格特征，是乐曲结构与发展的基本要素。它还具备一定的概括性，多半富于歌唱性，容易为人们所理解和记忆。优秀的音乐主题都蕴藏着十分丰富的内涵。有的作品只有一个主题，更多的作品中有两个或两个以上的主题，代表不同性格并形成对比。主题常在乐曲开况出现，但有时它的全貌要在整个作品不断展开中才能显示出来。曲式：（Form，musica

16、l）乐曲的结构形式。曲调在发展过程中形成各种段落，根据这些段落形成的规律性，而找出具有共性的格式便是曲式。乐段的结构及一部曲式：乐段通常由两个乐句或四个乐句构成。由两个各有四小节（或八小节）的乐句组成的乐段（专称为方整性的乐段）在器乐曲中最为常见。其特点是平衡、均称感强。一首乐曲仅由一个乐段构成的称“一部曲式”。一部曲式：只有一个乐段。1.单乐句乐段 2.二乐句乐段：牧歌 兰花花 3.四乐句乐段：是乐段结构中最主要、最典型的类型。要求各乐句间形成起、承、转、合的结构。4.多乐句乐段 五乐句学习雷锋 六乐句九九艳阳天 二部曲式：由两个明显的乐段组成，前后两段互相对称或对比。其通常图式为 AB。这

17、是乐曲的基本形式之一。A 段是主要乐思，B 段是进一步的发展，两部分构成一个整体。我们走在大路上 我的祖国 复二部曲式：由 A+B 构成，与单二部曲式相似，但每一个部分是一个单二部或单三部结构。如施光南的祝酒歌 三部曲式：由三个段落组成，其中第三段与第一段相同或基本相同，第二段具有对比性质，第三段带有再现性质。其图式为 ABA。分为带再现：A+B+A笑傲江湖、不带再现 A+B+C歌唱祖国 复三部曲式：三段式曲体的复杂化。其中有一段以上本身就是由二段体或三段体等构成。其图式有：AB（ab）+A 等等。器乐曲中常采用此种曲式。由三个单二部或单三部构成 A 呈示部 +B 中间部 +A再现部 贝多芬：

18、大调小步舞曲 ：a+b：c+d：a+b：变奏曲式：（Variation form）先奏出一自成段落的主题，然后以一系列的主题变形（即变奏），使主题通过多次不同的变奏而得到多方面的发挥。其图式为：主题-变奏 1-变奏 2-变奏 3，少则三五次，多则数十次。变奏的主题，大都较优美动人。常有用变奏曲式写成的独立乐曲，也有用于奏鸣曲等大型乐曲中（通常用于慢乐意中），如贝多芬的热情奏鸣曲。A+A1+A2+A3+A4+A5 例如 莫扎特：小星星变奏曲 回旋曲式：（Rondo form）起源于欧洲民间的轮舞曲，十八世纪初叶法国古钢琴曲多用之。以一再反复的基本主题与若干各不相同的插段交替出现为原则。其图式为：

19、A（基本主题）B（第一插段）AC（第二插段）A。这种曲式适于表现活跃欢腾的情景，奏鸣曲、交响曲等大型乐曲的末乐章常用之，以热烈的气氛结束音乐。比才：卡门序曲 奏鸣曲式：（Sonata form）乐曲的结构形式之一。它欧洲十八世纪下半叶以来，各种大型器乐体裁中最常见的、也是最重要的一种曲式。大多数交响曲的第一乐章都运用奏鸣曲式写成，其结构大致如下：奏鸣曲式总是用快板写的，所以在奏鸣曲（套曲）中的奏鸣曲式乐章，常被称为快板乐章。关于奏鸣曲式的三大部分（呈示部、展开部、再现部），有人譬喻说：它的呈示部好象提出矛盾的、可争论的问题；展开部是进行讨论、甚至矛盾间互相斗争，再现部则急统一认识，作初步的结论

20、；结尾（尾声）是总结。奏鸣曲式的这种对比-发展-统一的结构布局，很适用于用来表现复杂的、甚至戏剧性的内容，所以奏鸣曲式不但是奏鸣曲、交响曲和协奏曲中不可缺少的一个乐章，而且管弦乐序曲与交响诗也常采用此曲式写成。回旋奏鸣曲式：（Rondo sonata form）乐曲的结构形式之一。它属于奏鸣曲式的一种变体，主要用于大型器乐套曲（奏鸣曲、重奏曲、交响曲、协奏曲）的最后乐章，有时也用于独立的器乐作品。华彩乐段：（Cadenza）音乐术语。原指意大利正歌剧中咏叹调未尾处由独唱者即兴发挥的段落。后来在协奏曲的乐章末尾处也常插用此种段落，通常乐队暂停演奏，由独奏者充分发挥表演技巧。这部分演奏较自由，难度

21、也较高，因而也较引人注目。华彩乐段最初由独奏即兴创作，后来，作曲者也开始写作，成为作品中的有机部分和独具特点的段落。器乐表演形式 独奏：顾名思义，独奏就是一个人演奏某一种乐器，可以有伴奏。我国的独奏音乐可说是历史悠久，早在春秋战国时就涌现著名残曲高山和流水等。隋唐时期琵琶名手叠出，新调繁兴。过去传承的民族器乐曲，独奏和合奏往往没有严格的区分，同一首乐曲可以灵活采用独奏或重奏等不同演奏形式，如唢呐曲小开门、百鸟朝凤等既可独奏，又可采用合奏形式。解放后，独奏音乐得到了蓬勃发展；涌现了大量的各种民族乐器的独奏曲，其中有不少是经过整理改编的传统曲目，而更多的是反映现实生活的新作品。重奏：由两个或两个以

22、上声部结合在一起的乐曲，它的每一个声部均由一人演奏，这种形式为重奏。传统的笙、笛重奏，笛子重奏，唢呐重奏等乐曲，其织体写法一般都比较简单，多采用支声性复调织体写法。解放后创作的重奏曲，织体写法丰富了，重奏的特点更强了，如：筝、高胡、扬琴王重奏春天来了；管子、笛、筝、打击乐四重奏空谷流水；丝弦五重奏欢乐的夜晚等。合奏：合奏指由众多的人演奏多个乐器声部，或众多乐器齐奏同一声部。形式多种，常见 的有 管乐 合奏、丝竹 乐合 奏、吹打乐 合奏、打 击乐 合奏、民管 弦乐 合奏。由众多的人演奏多个乐器声部称合奏。在我国众多乐器齐奏同一声部（同度或八度音程关系）也习称合奏。合奏的乐队采用“吹、打、弹、拉”

23、各类乐器，色彩丰富，音响丰满。合奏的形式多样，常见的体裁有管乐合奏、弦乐合奏、打击乐合奏、丝竹乐合奏、吹打乐合奏、民族管弦乐合奏等。声乐的表演形式 独唱：声乐演唱形式之一。由一人演唱，常用乐器或乐队伴奏。亦有用人声伴唱者。齐唱：声乐演唱形式之一。指两个以上的歌唱者，按同度或八度音程关系同时演唱同一曲调。重唱：声乐演唱形式之一。指每个声部均有一人演唱的多声部声乐曲及其演唱形式。按声部或人数分为二重唱、三重唱、四重唱等。重唱在歌剧中很常见，亦为室内乐的演唱形式之一。领唱：一唱众和（齐唱或合唱）的演唱形式。因独唱部分具有引领众人歌唱的作用，故称“领唱”。独唱者称“领唱者”。领唱形式常见于民间的集体劳

24、动歌曲中，如秧歌、号子等。合唱：声乐演唱形式之一。指两组以上的歌唱者，各按本组所担任的声部，演唱同一乐曲。分同声（纯粹是男声、女声或童声）、浑声（男女声混合）两类；又根据声部的多寡再分为女声二部合唱、男声三部合唱等。最常见者为女高音、女低音、男高音、男低音的混声四部合唱。合唱常辅以乐器伴奏，纯粹由人声演唱而无乐器伴奏者称无伴奏合唱。大合唱：大型多乐章的声乐套曲。包括独唱、重唱、对唱、齐唱、合唱（有时穿插朗诵）等，常用管弦乐队伴奏，如黄河大合唱等。西洋的康塔塔在中国亦常称大合唱。康塔塔：意大利文 cantata 的音译。大型声乐套曲。最初是一种独唱的世俗叙事套曲，以咏叹调和宣叙调交替组成，用古钢

25、琴（或另加一种弦乐器）伴奏。十七世纪初产生于意大利；十七世纪中叶传人德国，遂发展成为一种包括独唱、重唱、合唱的声乐套曲，以世俗或圣经故事为题材。这种康塔塔与清唱剧颇相似，唯规模较小；其内容往往偏重抒情，故事内容亦较简单。现代作曲家常用这种体裁来表现重大的历史或现实题材。康塔塔与中国的大合唱相近，故中国亦常称之为“大合唱”。无伴奏合唱：一种不用乐器伴奏充分发挥人声特性的合唱。西洋称 acappella,意为“按教堂风格”。cappella 一词本意是指教堂中参拜圣者的地方，后转指圣咏团的所在地或圣咏团本身。因欧洲教堂合唱早期均采用无伴奏复调形式，至文艺复兴后期此种合唱形式始用于牧歌等世俗音乐中，

26、故有“按教堂风格”之称。标 题 音 乐 标题音乐是用文字来说明作曲家的创作意图和作品的思想内容的器乐曲。这种说明作品主题思想的文字，就是标题。标题音乐常取材于民间传说、小说、戏剧、诗歌和绘画。作曲家根据标题进行创作，并把标题告诉听众，让听众也按照标题的指示来欣赏和理解音乐。李斯特为标题所下的定义是：“作曲家用使人易于理解的文字写成的序言，放在一首器乐曲的前面，用以防止欣赏者错误的解说，而使他注意到全曲或曲中某一部分的诗的境界。”简单地说，标题音乐是有标题的音乐。但是标题并不等于题目，因为有些题目只是说明作品的体裁，如“进行曲”、“圆舞曲”、“小夜曲”、“浪漫曲”；有些题目只是说明作品的体裁和形

27、式，如“变奏曲”、“回旋曲”、“奏鸣曲”、“交响曲”。我国民族器乐曲的有些题目，也只是用来说明曲牌和板式的，如”柳摇金”、“夜深沉”、“十六扳”、“老六扳。这些题目和乐曲内容无关，都不能算是标题。也有些器乐曲的题目和内容有关，但说明的只是作品的一般的气氛和情调，而不是具体的内容，还不能算是严格意义的标题。如舒曼的春天交响曲、柴科夫斯基的悲怆交响曲等。但是，也有许多作品的题目同时也是标题，如梁山伯与祝英台小提琴协奏曲、罗密欧与朱丽叶序曲。因为“梁祝”代表了一个具体的民间故事，而罗密欧与朱丽叶代表了莎士比亚的一部悲剧。标题音乐是从十九世纪三十年代开始繁荣起来的，“标题音乐”的名称也是十九世纪的产物

28、。但标题音乐的起源，可以追溯到十六、十七世纪。十八世纪以后，更出现了一些早期标题音乐的代表作品。如德国作曲家库瑙在 170O 年写作的描写圣经故事的圣经奏鸣曲，至今还是钢琴家的演奏曲目。巴赫在 1704 年所作的离别随想曲，也是早期标题音乐的典范作品。贝多芬在 1808 年所作的田园交响曲，是标题交响曲的先声。柏辽兹在十九世纪三十年代所作的幻想交响曲、哈罗尔德在意大利交响曲和罗密欧与朱丽叶戏剧交响曲，则以鲜明的标题性、戏剧性和新颖的配器效果见称于世，是浪漫派标题音乐的划时代作品。门德尔松在同一时期，也写了一系列描写自然风光和取材于文学作品的序曲。这种标题序曲到了李斯特的手里，发展成为交响诗。一

29、百五十年来，标题交响曲、序曲、交响诗、音诗、音画、交响童话、交响叙事曲等，成为标题音乐创作的重要领域。近代标题音乐不仅因借助于文字说明而通俗易解，并且有引人入胜的标题内容和丰富多彩的音乐形象，因而日益受到广大群众的喜爱。从柏辽兹的第一部标题交响曲，即幻想交响曲，可以看到标题音乐的一些重要的表现手法。幻想交响曲作于 1830 年。副标题是一个艺术家生涯中的插曲，这个艺术家实际上就是作曲家自己，所以这是一部自传式的标题交响曲。当时柏辽兹热恋着爱尔兰的女演员斯米松，但遭到了她的拒绝，他在失恋的痛苦中写了这部作品。作者在这部交响曲的标题中告诉我们：“一个神经质的、富于幻想的青年音乐家因为失恋而吞服鸦片

30、自杀，但因剂量不足，没有致死，只使他在长时间内昏迷不醒，因而梦见了许多奇幻的景象。在这种情况下，他所有的感觉、情绪和记忆，都变成了音乐和图画，他所爱的人也变成了一个固定观念，即一个随时随地可以遇见和听到的旋律。”作者在这里所说的这个代表爱人的“固定观念”，就是贯穿在整个交响曲中的基本主题，它首先出现在第一乐章梦幻和热情中。柏辽兹所创用的“固定观念”，就是在乐曲中一再出现的基本主题，它代表某一个人物或某一种思想感情，并在音乐的戏剧性发展过程中，为了适应特定环境和情节的需要而作种种不同的变化。这是标题音乐的一种重要表现手法，它用了李斯特在协奏曲和交响诗中常用的“主题变形”的手法，起着类似瓦格纳在歌

31、剧中常用的“主导动机”的作用。哈罗尔德在意大利交响曲中的哈罗尔德主题，也是同样性质的基本主题。无 标 题 音 乐 定义：无标题音乐是指无明确主题及内容的音乐。产生原因：在音乐界，有些音乐家和音乐理论家反对标题音乐，他们认为标题音乐用文学性的东西给听众一种暗示，把听众引向一个相对确定的范围内，而无论什么样的标题都不能全面的反映一支乐曲（尤其是交响乐）所表达的丰富内容和感觉。这些倡导者认为无标题音乐可以更好反映音乐的内涵，不同的人听到一首无标题的乐曲，所感受的心理内容是大不一样的。这类器乐作品没有指示乐曲具体内容的文字标题，而只用曲式名称如：“奏鸣曲”、“赋格”、“变奏曲”等作为曲名，或用乐器体裁

32、名称如：“前奏曲”、“练习曲”、“小步舞曲”等作为曲名。由于同名的乐曲很多，为了有所区别，就加上乐曲的开始调名，例如“大调奏鸣曲”、“小调交响曲”，或者再加上作者创作此种体裁的作品的编号，例如莫扎特第四十交响曲，李斯特的匈牙利狂想曲第二号，肖邦的夜曲作品第九号之二等。关于无标题音乐的传说 音乐史上一个著名的传说，音乐家贝多芬的英雄交响曲起初是题为献给拿破仑这位当时的英雄人物，但贝多芬听说拿破仑称帝之后，气愤的撕掉总谱，改题为“献给天下一切英雄”。如果当初拿破仑没有称帝，那么后人听到这首交响曲大多会往拿破仑的形象和事迹方面联想，这就是标题的暗示和引导作用，事实上，这首曲子给人的感受十分丰富而又不很具体和确定的，他表达的是一种类型性的情感。创作思想 无标题音乐在创作时，没有用音乐来反映客观现实的意图，而只求通过音乐艺术来抒发某种主观情绪，表现某种精神意境，甚至主要着重音乐艺术本身的音响美和形式美的追求与体裁风格特征的体现。因之很难加上名副其实的文字标题。有的作者不愿借助于文字标题来说明乐曲的内容，而只希望欣赏者自己去心领神会。所以只以曲式名称或音乐体裁的名称作为曲名，而不设标题。